２０２４年に刷新される新千円札の裏面には葛飾北斎の富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」が使用されますが（因みに、新一万円札の表面：渋沢栄一、裏面：東京駅（丸の内駅舎）、新五千円札の表面：津田梅子、裏面：藤、新千円券の表面：北里柴三郎、裏面：富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」）、それに肖ってのことか映画「ＨＯＫＵＳＡＩ」が公開されたので観に行くことにしました。ドビュッシーの交響詩「海」初版譜表紙はドビュッシーの希望によって葛飾北斎の富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」（１８２３年制作開始、１８３１年発行）で飾られており、ドビュッシーの書斎に富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」が飾られている写真が残されていることなどから、ドビュッシーが富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」からインスピレーションを受けて交響詩「海」を作曲した可能性について指摘されていることは有名な話ですが、葛飾北斎が房総を訪れた際に、波の伊八こと、武志伊八郎信由の欄間彫刻「波と宝珠」（１８０９年完成）からインスピレーションを受けて富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」を創作した可能性（Good artists copy, great artists steal. Pablo Picasso）について指摘されていることは意外と知られていません。この点、富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」は本牧沖から見た構図ではないかと言われていますが、その源泉を辿れば、波の伊八が欄間彫刻「波と宝珠」を創作するためにスケッチし、東京オリンピックのサーフィン会場になっている大東崎（日本のサーフィン発祥の地である釣ケ崎海岸）の波が富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」の生み（海）の親ということになります。もし東京オリンピックが開催されることになれば（その是非は別論として）、世界中のサーファーが「伊八（北斎）の波」に乗りにくることになります。但し、カエルの小便のような小波しかない日もありますので、どうなることやら心配になりますが....。
| ①御宿海岸（千葉県夷隅郡御宿町六軒町５０５−１） ②源頼朝上陸地の碑（千葉県安房郡鋸南町竜島１６５−１） ③九十九里浜（千葉県山武郡九十九里町真亀） ④神明神社（千葉県鴨川市東江見３３２） ⑤菱川師宣記念館（千葉県安房郡鋸南町吉浜５１６） ⑥大東岬（釣ケ崎海岸）（千葉県長生郡一宮町東浪見） ⑦行元寺（千葉県いすみ市荻原２１３６ ） ⑧金谷港（千葉県富津市金谷４３０３） |
||||
 |
 |
 |
 |
 |
| ①相棒のハーレーと御宿海岸／風に誘われ、房総半島をツーリング。 | ②源頼朝上陸地と富士／源頼朝は石橋山合戦に敗れて房総半島に遁れ、味方を募って再起し、３ケ月後に富士川合戦で平家に大勝。房総は敗者復活の地。 | ③九十九里浜とサーファー／源頼朝が１里毎に矢を立てさせて海岸線の長さを図ったところ、９９本の矢が必要だったことから九十九里浜と命名。 | ④浅野家屋敷跡（神明神社）／大石内蔵助の切腹６年後、浅野内匠頭長矩の弟・浅野大学長広は幕府から安房国朝夷郡・平郡５００石を与えられ御家再興 | ⑤菱川師宣「見返り美人」像／浮世絵の創始者・菱川師宣は千葉県鋸南町保田が出身地。狩野派の祖・狩野正信は千葉県いすみ市大野が出身地。 |
 |
 |
 |
 |
 |
| ⑥大東岬（釣ケ崎海岸）／波の伊八が波をスケッチした場所。日本のサーフィン発祥の地としても知られ、東京オリンピックのサーフィン会場。 | ⑦行元寺（欄間彫刻「波と宝珠」）／大東岬（釣ケ崎海岸）から西へ約１０ｋｍの行元寺で、１８０９年に波の伊八が欄間彫刻「波と宝珠」を完成。 | ⑦行元寺（パクリンピック）／葛飾北斎は欄間彫刻「波と宝珠」にインスピレーションを受けて、１８３１年に富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」を発行。 | ⑧房総半島と富士／富士山の見え方から、葛飾北斎は本牧沖から見える富士ではなく房総半島から見える富士を心象風景にして描いた可能性が指摘。 | ⓪ドビュッシーの書斎と神奈川沖浪裏／ドビュッシーとストラヴィンスキーが映る背後の壁には葛飾北斎の富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」が掲示。 |
ネタバレしない範囲で簡単に映画「ＨＯＫＵＳＡＩ」の感想を残したいと思います。この映画を観るにあたり、中学及び高校で習った化政文化時代の概要をお浚いしておくことが有益です。葛飾北斎が活躍した化政文化時代（１８世紀後半から１９世紀前半）は浮世絵、滑稽本、川柳、歌舞伎など「洒落」や「通」を好む町人文化（同じ町人文化でも、元禄文化はブルジョアジー層の文化、化政文化はプロレタリアート層の文化）が華開き、これにより庶民教育が活発になって庶民の間にも政治や社会を風刺する批判的精神が高揚するなか、幕末（近世末期）から明治（近代初期）にかけて活躍する人材が育まれ、２０２４年に刷新する新紙幣に採用される渋沢栄一、津田梅子や北里柴三郎など日本の近代化を推進する人材を輩出する伏線となりました。この時代は文化（時代）の爛熟期にあたり、庶民は、喜多川歌麿の美人画や東洲斎写楽の役者絵など「退廃的、刹那的、享楽的な趣味」の作品に魅了されると共に、十返舎一九の滑稽本「東海道中膝栗毛」、葛飾北斎の名所絵「富嶽三十六景」、歌川広重の名所絵「東海道五拾三次」などの影響による旅行ブーム、念仏修験行者・播隆による槍ヶ岳初登頂など「未知の世界」への挑戦に胸を熱くし、鶴屋南北の歌舞伎「東海道四谷怪談」、滝沢馬琴の読本「南総里見八犬伝」などに見えられる「異質な世界」への好奇心に心を躍らせていた時代です。
柳楽優弥さんが演じる葛飾北斎（青年期）は、当初、「目に見えるもの」を描くことのみに執着しますが、遊女の内面や艶を巧みに捉えて独創的に表現する喜多川歌麿の美人画や、役者の個性や独特な身体表現を巧みに捉えて独創的に表現する東洲斎写楽の役者絵などに触れ、それらの才能に対抗心や嫉妬心を抱きながらも「目に見えるもの」のみを描くのではなく「心に見えるもの」を描くことで対象（画題）の本質に迫ることを学び、その才能を開花させながら自らの独創的な表現を確立して行く人間味溢れる姿として描かれています。この点、西洋画は「影」を描くのに対し、日本画は「影」を描かないことが特徴的な違いとして挙げられますが、西洋画は写実性を重視し陰影法や線遠近法を利用して絵を描くことを伝統（西洋文化は父なる神による父性原理を基調とし、父と子が肉体的に一体ではなく主客の別があるように全てのものを「区別」する世界観から、対象を外から客観的に捉える視点）とする一方で、日本画は心象風景を重視し平面的な構成のなかでデフォルメした造形や色彩を利用して絵を描くことを伝統（日本文化は女神による母性原理を基調とし、母と子が肉体的に一体であり主客の別がないように全てのものを「包含」する世界観から、対象を内から主観的に捉える視点）としており、このような日本画の特徴からインスピレーションを受けたマネ、モロー、ピカソ、セザンヌやゴーギャンなどは西洋画の伝統である「写実の呪縛」から解放され、新たな創作の視点（I paint objects as I think them, not as I see them. Pablo Picasso）を見い出します。
田中泯さんが演じる葛飾北斎（老年期）は、絵師として円熟の境地に達し、その研ぎ澄まされた感性や突き詰められた表現の凄みが滲み出てくるような風格が感じられます。この映画の中で、喜多川歌麿や東洲斎写楽などを育んだ江戸の名プロヂューサー・蔦屋重三郎が「絵は世の中を変えられる」と葛飾北斎（青年期）を導き、絵師として円熟の境地に達した葛飾北斎（老年期）が猶も「勝負してぇんだ、世の中とよ」と心境を吐露するシーンが印象的に描かれていますが、葛飾北斎は時代の価値感に挑戦し、その価値感を刷新する新しい表現を貪欲に模索し続けるなかで生み出された作品が上述のとおり日本ばかりか西洋にまで多大な影響を与え、アメリカの雑誌「ＬＩＦＥ」が１９９８年に発表した「この１０００年で最も重要な功績を残した世界の人物１００人」に日本人で唯一選ばれる偉業を成し遂げています。このような時代の価値感を刷新する新しい表現は、その表現が持つ珍しさ（世阿弥の言葉を借りれば「花」）を面白く感じる庶民に熱烈に歓迎される一方で、その時代の価値感を頑なに守ろうとする権力者から疎まれ、それらの斬新な表現は厳しく弾圧されます。この時代の価値感のせめぎ合いは、時代を超えて洋の東西を問わず繰り返されています（江戸幕府の取り締まりと同様の例は、例えば、教会権威に始まり、ヒトラーやスターリン等の独裁政権に至るまで西洋でも枚挙に暇がありません。）。葛飾北斎などが挿絵を描いた読本の人気作家・柳亭種彦（別名・高屋彦四郎という小普請組に属する食録２００俵の旗本）は江戸幕府の取り締まりに対して自らの表現意欲に忠実であろうと葛藤しますが、終には天保の改革で譴責されて死亡します（その死因はショックによる病死説が有力ですが、この映画では自殺（惨殺）説が採られています）。葛飾北斎は自らの身にも危険が及ぶ虞があるなかでも筆を折ることはなく命を懸けて絵に向かい続けますが、その田中泯さんが演じる葛飾北斎（老年期）の孤高な姿には絵師の矜持が感じられ、まるで葛飾北斎の魂が息衝いているような迫力があります。この映画の中で、絵師の筆使いがアップで映されるシーンがありますが、役者の目元に繊細な表情を生む東洲斎写楽の精緻な筆使いが出色ですし、波足を描く大胆かつ滑らかな筆致や波の飛沫を描く点描法など葛飾北斎の創作過程を彷彿とさせるものがあり興味深いです。また、普段は目にすることがない彫師や摺師が作品を仕上げるシーンも描かれていますが、絵師だけではなく彫師や摺師の技量が作品の出来栄えを大きく左右することがよく分かります。なお、富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」の大波を鮮やかに立ち上がらせるベロ藍は、ベルリンで開発された輸入顔料ですが（江戸っ子のべらんめえ調で「ベルリン藍」が「ベロ藍」に訛ったもの）、富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」の大波の鮮烈な印象から海外では「Japan Blue」とも呼ばれています。新一万円札の表面に採用される渋沢栄一は藍玉を作る農家の出身ですが、富嶽三十六景「神奈川沖浪裏」を色彩の面からどのように見ていたのか興味があるところです。因みに、藍は、昔から染料だけではなく薬草として解毒、解熱や消炎等にも利⽤され、ポリフェノール（抗酸化作用）やトリプタンスリン（抗菌作用）を含んでいることから体に良いと言われており、その鮮やかな発色も手伝ってお茶や料理に重用されています。
なお、上述のアメリカの雑誌「ＬＩＦＥ」が１９９８年に発表した「この１０００年で最も重要な功績を残した世界の人物１００人」（但し、「欧米人から見た」という断り書きが必要と思われる人選）には、８６位に葛飾北斎が選ばれているほか、画家では５位にダヴィンチ、５９位に范寛、７８位にピカソ、８４位にラファエロ、彫刻家では３６位にミケランジェロ、音楽家では３３位にベートーヴェン、６２位にグイド、８９位にモンテベルディが選ばれています。この点、並み居る音楽家の中でも、その革新的な業績がなければ、その後のクラシック音楽の発展もなかったと思われる決定的な影響を残したグイド（記譜法の発明や階名唱法の考案）とモンテベルディ（不協和の解放及びオペラの確立）が注目されますので、その業績を讃えるべく、以下で簡単に触れてみたいと思います。
いまさら説明の必要はないと思いましたが、グイド・ダレッツォは、１１世紀前半のイタリアで活躍した音楽教師（修道士）で、４線譜に四角い音符を書く記譜法を発明しました。それまでの音楽は口伝承されていたことから、聖歌を正確に後世に伝えることが難しく、また、殆どの音楽は即興演奏されて再演されることはありませんでした。しかし、音楽を楽譜（紙）に記譜できるようになったことで、聖歌を正確に後世に伝えることが可能になり、また、他人に正しく音楽を演奏して貰うことが容易になったことで「作曲家」が誕生し、後世の偉大な作曲家達を生む伏線となりました。なお、グイドの名前は電子楽譜の商品名にもなっていますが、最近では音を検知して演奏の進行に併せて自動で譜めくりしてくれるアプリなども登場し、コンサートホールの風物詩である目にも止まらぬ譜めくりの神（紙）業は廃れてしまうことになるかもしれません。
| 革新 | 社会 | 影響 |
| 記譜法の発明 | 中世 近代 |
①音楽（作曲）の記録➡作曲家の誕生 ②近代社会の到来➡作曲家､演奏家､観客の分離 |
| 録音技術の発明 | 現代 | ①音楽（演奏）の記録➡音楽受容の変化 ②現代社会の到来➡音楽需要の多様化 |
| ＡＩ（人工知能） ロボット工学 |
未来 | ①音楽（作曲・演奏）の脱人間化➡可能性拡大 ②未来社会の到来➡職業音楽家の解放 |
*2 音楽受容の変化：聴衆の関心が作曲から演奏へ移り、新曲より既存曲の音楽解釈や演奏技量の差異に注目
*3 現代社会の到来：マスメディア､コンピュータやＩＴなどの普及
*4 音楽需要の多様化：BGM､映画･ゲーム･電子音楽やクロスカルチャーなどメディアやシーンが多岐
さらに、グイドは、ヘクサコルド（６音音階）の階名による歌唱法（ソルミゼーション）を考案します。この点、グイドは、「聖ヨハネ賛歌（聖ヨハネの夕べの祈り）」を聖歌隊に教えるにあたって４線譜上の音符（≒ ピアノの白鍵の第１音から第６音）にそれぞれ名前を付けて（即ち、聖ヨハネ賛歌の各小節の最初の音が１小節進む毎に１音づつ上行するように作曲されていることに着目し、各小節の最初の音の音高とそれぞれに対応する小節の最初の歌詞（シラブル）とを結び付けて）音程を取り易くする歌唱法（ソルミゼーション）を考案して効果的な音楽教育を実現しますが、その後、ソルミゼーションはソルフェージュ（読譜に限らず聴音等を含む幅広い音楽教育）へと発展します。これらのグイドの発明によってクラシック音楽は世界的に普及しました。
| 原文 | 訳文 | 備考 |
| Ut queant laxis Resonare fibris Mira gestorum Famuli tuorum Solve pollute Labii reatum Sancte johannes |
あなたの僕が 声をあげて あなたの行いの奇跡を 響かせることができるように 私たちの穢れた唇から 罪を拭い去って下さい 聖ヨハネ様 |
Ut➟Dominus（主） Sj➟Si |
| 伊語 ： | Ut (Do) |
Re | Mi | Fa | Sol | Ra | Sj (Si) |
Ut (Do) |
Hexa chordum |
| 日本語： | ド | レ | ミ | ﾌｧ | ソ | ラ | シ | ド | 階名 |
| ハ | ニ | ホ | ヘ | ト | イ | ロ | ハ | 調名 | |
| 独語 ： | Ｃ | Ｄ | Ｅ | Ｆ | Ｇ | Ａ | Ｈ | Ｃ | Classic |
| 米語 ： | Ｃ | Ｄ | Ｅ | Ｆ | Ｇ | Ａ | Ｂ | Ｃ | Jazz |
*5 １６世紀頃に「Ut」（ウト）が発音し難いことから主イエス・キリストを意味する「Dominus」の「Do」（ド）に置き換わります。また、１７世紀頃に７番目の音（ピアノの白鍵の第７音）として追加された聖ヨハネを意味する「Sancte johannes」の「Sj」が発音し難いことから「j」を「i」に置き換えて「Si」（シ）が追加されます。
クラウディオ・モンテベルディは、１７世紀前半にイタリアで活躍した音楽家で、不協和の解放による新様式の音楽や劇的な音楽表現によるオペラの確立などによってルネッサンスからバロックへの橋渡しとなる重要な役割を果たしました。この時代の音楽は、キリスト教の教義（歌詞）を伝えることを主な目的とし、音楽はそれを伝えるための補助的な役割を担っているに過ぎないと考えられ、キリスト教の教義（歌詞）を明瞭に発音することが重視されました。また、１５世紀頃から発達した複数声部を持つポリフォニー音楽により旋律が複雑になると、音楽によってキリスト教の教義（歌詞）が明瞭に聞き取れなくなることがないように教会から注意が促されました。これに対して、モンテベルディは、キリスト教の教義を伝えることよりも、人間の情感（Affect） を表現することを重視し、より豊かな情感表現を可能とするために、当時、社会的に許容されていなかった不協和の解放に踏み出しました。因みに、モンテベルディが不協和の自由な使用に先鞭をつけたことで、その後に登場する古典派音楽では約５割、ロマン派音楽では約７～８割、現代音楽では９割以上が不協和音程で成り立っていると言われています。
モンテべルディは、マドリガーレ集第５巻第１曲「つれないアマリッリ」の第１３楽章において、不協和音程である属七の和音（ドミナント・セブン）を使用していますが、不協和音程の予備の法則を無視して、その直前に不協和音程「ファ」と同じ音を緩衝材として用意するのではなく「ラ」という全く関係ない音を使用するという当時の禁じ手を敢えて犯すことで、これまでにない情感豊かな表現を可能にしました（但し、遥かに複雑な音楽に慣れ親しんでいる現代人の耳には、それ程、情感豊かな表現に聴こえないことは仕方がありません。）。この背景には、それまでのキリスト教的な価値観において、神は完全な存在であり、仮にその完全なものから不完全なものが生じたとしても、その不完全なものは直ぐに完全なものに置き換えられて神の秩序は保たれる（全ては神の手中にある）という思想のもと、不完全性を体現する不協和音は完全性を体現する協和音から生じ（不協和音程の予備）、速やかに、完全性を体現する協和音へと解消される（不協和音程の解決）べきであるという音楽理論が確立します。よって、不協和音程を使用するときは、突然、その不協和音程を響かせて人々に動揺を与え、理性を搔き乱さないように配慮することが求められ、その直前の協和音の中にその不協和音程と同じ音を前もって響かせることで衝撃を和らげて人々の動揺を抑えるべきであるという考え方（不協和音程の予備）が長年の伝統として根強く信奉されていました。しかし、ルネッサンス時代に入るとギリシャ神話的な価値観が見直され、キリスト教的な価値観である神聖性（理性）からギリシャ神話的な価値観である人間性（本能）への回復が志向されるなかで、モンテベルディはキリスト教的な価値観に挑戦し、「不協和音程の予備」の法則を打ち破ることでギリシャ神話的な価値観へ刷新する新しい音楽表現を獲得しました。因みに、協和音程（ド・ミ・ソなど）とは、２音間の振動比が単純な音程を言い、完全に調和された澄んだ響きがして安定感があります（理性的：弛緩）。一方、不協和音程（ソ・シ・レ・ファなど）とは、２音間の振動比が複雑な音程を言い、不完全な調和による濁った響きがして不安定感があります（本能的：緊張）。その不協和音程の中でも属七の和音（ドミナント・セブン）は、７度の音（ファ）と１度の音（ソ）が２度の間隔しかなく、その響きのぶつかり合いが耳を不快に刺激し、その濁った響きを協和音程（主音、トニック）の澄んだ響きへ解消したいという心理が強く作用するので、音楽が調和するうえで最も重要な働きをする和音とされています。後世になると、モンテベルディによって不協和音程という音楽の禁断の果実に目覚めた人類は、より豊かな情感表現を求めて属七の和音以外の不協和音程についても「不協和音程の予備」の法則を次々に打ち破るようになります。やがて音楽の禁断の果実を食べ飽きてしまった人類は、その品種改良に着手しますが、その改良された果実は一癖も二癖もあるもので人によって極端に好き嫌いが分かれているというのが現在です。なお、以下の譜例について若干補足すると、属七の和音（ソ・シ・レ・ファ）は、上述のとおり７度の音（ファ）と１度の音（ソ）がぶつかり合う不協和音程であることから、７度の音（ファ）は協和音程の３度の音（ミ）に解消し、また、１度の音（ソ＝根音）は五度下行して協和音程の１度の音（ド）に解消することで、不協和音程の解決が図られて安定感（終止感）を生んでいます。さらに、属七の和音（ソ・シ・レ・ファ）は、７度の音（ファ）と３度の音（シ）が三全音（キリスト教では理性を搔き乱す不安定な音程として「悪魔の音程」と呼ばれ、メロディーラインへの使用が禁じられていました。）の関係にあり不協和音程であることから、３度の音（シ＝導音）は半音上行して協和音程の１度の音（ド＝主音）に解消することで、不協和音程の解決が図られて安定感（終止感）を生んでいます。
なお、その後のクラシック音楽の発展や現代音楽の展開を考えると、１オクターブ１２音を主音とする２４の長短調で構成される平均律クラヴィーア曲集（但し、バッハは平均律ではなく不均等律として作曲したとする説もありますが、バッハの意図はどうあれ、後世に与えた影響は変わりません。）を作曲したバッハ（これにより転調が容易となるなど音楽表現が飛躍的に豊かになりました。）やピアノを発明したクリストフォリ（これにより音の強弱表現が可能となるなど音楽表現が飛躍的に豊かになりました。）などが選ばれていないことは意外です。因みに、１オクターブを等比数列で１２分割する十二平均律を世界で最初に発明したのは１６世紀末の中国の音楽学者・朱載堉と言われています。
調性音楽は、主音（協和音、トニック）に始まり、そこから生じた不協和（ドミナント、サブドミナント）は主音（協和音、トニック）に解消されて終わる（不協和音程の解決）という予定調和の構造を持っていますが、リストは旋法、ドビュッシーは全音音階、ワーグナーは半音音階などを多用することにより不協和（ドミナント、サブドミナント）を連ねて主音（協和音、トニック）に解消しないこと（不協和音程の解決の法則を無視）で、その曲の主音を曖昧にして「調性の呪縛」から音楽を解放しようと試みます。その流れはシェーンベルクに引き継がれ、やがて主音を生まないために１２音を均等に使って基本音列（セリー）を作り、その基本音列（セリー）を様々に変化させて作曲する十二音技法を発明します。モンテベルディは属七の和音を不協和音程の予備から解放し、不協和音程の解決（主音の終止感）を自由に設定できるようにしましたが、シェーンベルクらは主音の設定や長短の音階を完全に無くして不協和音程の解決（主音の終止感）をも不要として、不協和音を自由に使用することができるようにしました。これによってそれまで調性音楽の分析に使われてきたシェンカー理論（楽典、和声論、対位法等の従来の音楽理論を総合して楽曲を俯瞰し、その楽曲を構成する基本的な動線、骨格や構造を浮かび上がらせることで、その作曲意図を詳らかにする方法論）では無調音楽の分析を行うことはできなくなったので、それに代わる音楽分析の手法としてピッチクラス・セット理論（楽典、和声論、対位法等の従来の音楽理論を使えないことから、１２音を等価として扱うことを前提として同じ音名の音を同じ数字で表記し（ピッチクラス）、その数字で表記される音の組み合わせパターン（セット）を使って楽曲を俯瞰し、その楽曲を構成する基本的な動線、骨格や構造を浮かび上がらせることで、その作曲意図を詳らかにする方法論....例えば、ドを「０」とし、そこからピアノの鍵盤に従って１２音に順番に数字を割り振ると、シ♭・ラ・ド・シの音列（＝ＢＡＣＨの主題は重複する音名なし）は「１０（Ａ）・９・０・１１（Ｂ）」と表記され、このピッチクラス・セットを１つの手掛りとしてその楽曲を構成する基本的な動線、骨格や構造等を分析）が登場します。詳しくは以下の著書をご参照下さい。なお、シェーンベルクは、表現主義の画家としても知られ、その弟子のアルバン・ベクルをモデルにした肖像画（「作曲家アルバン・ベルクの肖像」１９１０年作）を描いています。その作風は写実性よりも特徴的なフォルムや色彩を利用して対象の内面を描き出そうとするもので、葛飾北斎、喜多川歌麿、東洲斎写楽など日本の絵師が写実性ではなく心象風景を重視し平面的な構成のなかでデフォルメした造形や色彩を利用して絵を描く伝統（外観を描く印象主義だけではなく内面を描く表現主義にも近い測面）と相通じるものが感じられますので、アルバンベルクの創作活動に何らかの影響を与えていた可能性もあり興味深いです。
| 時代の価値観への挑戦 | 時代の価値観を刷新 | 代表的な芸術家 |
| 写実の呪縛からの解放 ＝写実性を重視しない 浮世絵の影響 |
印象主義 （外観を描く） |
マネなど ※ドビュッシーなど |
| 象徴主義 （内面を具体的に描く） |
モローなど ※ワーグナーなど |
|
| 表現主義 （内面を抽象的に描く） |
ムンクなど ※シェーンベルクなど |
|
| 調性の呪縛からの解放 ＝不協和を自由に使用 |
不協和音程の予備を不要 （調性音楽） |
モンテベルディなど |
| 不協和音程の解決を不要 （無調音楽） |
シェーンベルクなど |
現代は、あらゆるものから解放されて却って手掛りを見失い手詰り感がある状態ですが、人工知能（ＡＩ）やロボット工学によるイノベーションによって、その人間の限界を超える試みが始められています。単に、人間が作曲し又は演奏した音楽の構造やパターン等を学習し、それらの素材を数学的に処理して別の音楽を作曲し又は演奏する人工知能（ＡＩ）やロボットを開発するだけではその意義は乏しく、人間とは異なる発想から全く新しい音楽を創造し又は全く新しい表現で演奏する人工知能（ＡＩ）やロボットを開発するのでなければ、その恩恵は極めて限定的なものになってしまいます。近い将来、芸術の分野でも人間の限界を超えるような創造性を発揮し、人類に新しい地平を切り開くような芸術体験をもたらしてくれる人工知能（ＡＩ）やロボットの開発を期待したいです。尤も、光が強ければ影を濃くするのが道理なので、その点への慎重な検討、配慮も欠かせませんが…。
◆おまけ
ミュージカル「サウンド・オブ・ミュージック」でお馴染みの「ドレミの歌」はグイドが聖歌隊に「聖ヨハネ賛歌」を指導するために考案した階名唱法（ソルミゼーション）が原形になっています。なお、日本では、主イエス・キリストが３時のおやつに化けて、最初のドはDonut（ドーナツ）の「Do」になっていますが、これは日本でドレミの歌を広めたペギー葉山さんが食べたかった３時のおやつから採られているそうです。因みに、文明堂のＣＭでもお馴染みの３時のおやつは「御八つ」と書き、江戸時代の八つ時（ＰＭ３時頃）を意味する言葉が由来になっていますが、１日の中でＰＭ３時頃が脂肪細胞に脂肪を溜め込む働きをするタンパク質の量が最も少なくなる時間帯だそうで、この時間帯の間食は太り難いそうです。心の不協和が解決し難い時代に、その不協和を少しでも解決するために、３時のおやつで少し贅沢な時間を過ごてみるのも良いかもしれません。
オペラは１６世紀末にフィレンツェで発明された音楽劇ですが、ペーリ、カッチーニやモンデヴェルディなどの作曲家が相次いでオペラを作曲しています。このなかでもモンデヴェルディが作曲した歌劇「オルフェオ」は、アリアやレチタティーヴォ等の後世のオペラで使用される音楽形式が見られると共に、ライトモチーフや劇的な音楽表現等を採り入れた最初の本格的なオペラで、モンテヴェルディによってオペラが確立されたと言っても過言ではありません。
シェーンベルクが１９２１年に初めて全曲を十二音技法で作曲した「ピアノのための組曲」（Op.25 ）をグールドによる緊張感の張り詰めた閃き溢れる演奏でお聴き下さい。
人工知能「Ｅｍｍｙ」（ＡＩソフト）が作曲したバッハ風フーガをお聴き下さい。「人間は見聞きして判断しているのではなく、判断してから見聞きしているのである」という言葉のとおり人工知能（ＡＩ）が作曲した曲であるというバイアスがその音楽を心理的に遠ざけてしまっているのかもしれませんが、非常によく出来ている音楽ではあるものの、あくまでも「バッハ風」（人間の延長）であってバッハ（人間の限界）を超えるような音楽とは思われず、人類に新しい地平を切り開くような芸術体験をもたらしてくれるレベルには未だ程遠いという印象を拭えません。
旧暦では「節分」が大
さて、日本では、除夜の鐘に代表される寺院の鐘の音は仏様の声を象徴するもので、その音を聞く者は一切の苦から逃れ、悟りに至る功徳がある神聖なものと考えられています。この点、欧米でも、教会の鐘の音は神様の声、人々の祈りや人間の生命を象徴し、悪魔を支配するものとして神聖視されており、かつて教会で年越しに鐘を鳴らす風習があったことから
声楽曲の作曲パターンは、大きく以下のとおり分類することができますが、そのなかで最も多いと思われる以下②の作曲パターンについて、言葉の発音（音楽層）を音楽の音響構造の中に反映させる方法（言葉で「音」を表現する
声楽曲は、作家（詩人など）や作曲家だけではなく、
モ～いくつ寝るとお正月♬....今年は新型コロナウィルスのためにサンタさんも休業中でクリスマスプレゼントが届かない家もあるのではないかと思いますが、政府から正月休みの分散取得が要請されていることを受けて、少し早めに正月休みに入っている方もいらっしゃるのではないかと思いますので、拙ブログでもクリスマスを飛び越えて正月の挨拶をアップしておきます。昔から「牛」は労働力や家畜として欠かせない存在でしたが、古代の中国では豊作を祈るために労働力として欠かせない「牛」を生贄に捧げる風習があったことから「犠牲」という漢字には「牛」の偏（へん）が使われています。また、家畜として欠かせない「牛」が逃げたり又は盗まれたりしては大変なので小屋や柵囲の中で飼育されていたことから「牢」という漢字には「家」を表す「ウ」の冠（かんむり）の下に「牛」の脚（あし）が使われています。なお、「家」という漢字には「ウ」の冠の下に「豚」の旁（つくり）が使われていますが、漢字の造りからも「牛」や「豚」が大事に飼育されていたことが伺われます。因みに、欧米（
日本（
欧州では、
中国（宋の時代）の禅僧・廓庵師遠禅師は、禅の極意である「悟り」を視覚的に分かり易く説明するために、牛を題材にした十枚の絵を描き、その十枚の絵に頌（
昨夜、ＴＢＳの情熱大陸で
今週末にはステップ３へ進むようですが、来月、ステップ４に移行しても、当面の間（ワクチン開発まで？）は収容率５０％の制限は残る予定なので、引き続き、採算面で厳しい状況が続くことに変わりなく、単に感染対策だけではなく生き残り戦略をかけたニューノーマルの模索が続くことになりそうです。このような状況のなか、千歳空港から程近い北海道白老町で７月１２日に
日本列島が大陸と地続きであった約３万年前に南方系アジア人の古モンゴロイド（狩猟採取を行うソース顔の縄文人）が移住して日本列島の全域に分布しています。その後、地殻変動や地球温暖化に伴う海面上昇により日本列島が大陸から分離した後の約３千年前に北方系アジア人の新モンゴロイド（水田稲作を行うしょうゆ顔の弥生人）が大陸から九州、四国及び本州へ移住して古モンゴロイド（縄文人）と新モンゴロイド（弥生人）の混血から大和民族が生まれています。しかし、このとき北海道及び沖縄は地殻変動や海面上昇により海を隔て遠く離れていたことや北海道の寒冷な気候が水田稲作に適さなかったことなどから、これらの地域における新モンゴロイド（弥生人）との混血は少なく、それぞれの地域でアイヌ民族及び琉球民族として発展しています。これにより日本には大きく３つの文化圏が誕生することになりました。日本の食卓を彩る３つの調味料は、それぞれに独自の風味があり、どれが欠けても味気ないものになります。
上述のとおり大和民族とアイヌ民族及び琉球民族との文化的特徴の異同が生じるのは約３千年前に新モンゴロイド（水田稲作を行うしょうゆ顔の弥生人）が大陸から九州、四国及び本州へ移住して水田稲作を伝えた古代（弥生時代）から中世以降であると考えられます。アイヌ民族は、自然を含む森羅万象を「カムイ」（神）として崇め、また、琉球神道は、万物にセジ（神の霊力）が宿ると考えており、森や川等の自然を神が降臨する聖地
ウポポイとは、アイヌ語で「大勢で歌う」という意味がありますが、現在、我々が日常的に使用している日本語の中にもアイヌ語が使用されており、例えば、
２００９年、ウポポ（歌）及びリムセ（舞踊）から構成される「
上記で記載したことは舞踊にも言えます。
北海道の郷土料理「
さて、本題に戻ってＴＶ番組の内容に簡単に触れてみたいと思います。東フィルは、今回（第一波）のコロナ禍で１３０回の演奏会が中止されて億単位の損失が生じたそうですが、在京のプロオケとしては初めて６月２１日にオーチャードホール（渋谷）で観客入りの演奏会が４ケ月振りに再開されました。オーチャードホールの客席数は２，１５０席なので、上記の基準（ステップ２）に照らせば１，０００名まで観客を収容しても問題がありませんが（但し、当面、収容率を５０％以下に抑える必要があるので、オーチャードホールではステップ３、ステップ４に移行しても、１，０００名以下に観客数を制限しなければなりません）、東フィルは絶対に演奏会で感染者を出さないという意気込みのもと約３０％（約６５０名）まで観客数を減らして演奏会を再開することにしたそうです。しかし、演奏会の運営費の約８０％はチケット代で賄われているので、興行収益は赤字（演奏会を開催しても財務状況が悪化してしまう状態）に陥ってしまいます。東フィルでは、感染対策の観点から、通常の演奏会の１／３程度の演奏時間となるように演目数を減らし（交響曲なら１曲程度）、かつ、オーケストラの編成も約１０人削減して総数約７０人としたそうですが、もともと当日の演目であったドボルザーク交響曲第９番は２管編成 ＋αが標準的な編成なので、３管編成に近い７０人が乗っていたのであれば、それほどオーケストラの編成には変更を加えず（即ち、ホールの大きさは変えられないので、音を犠牲にしないよう）に演奏会に踏み切られたのではないかと思います。それでも楽団員間のソーシャル・ディスタンスを確保するためにステージを目一杯使用し、弦楽器、木管楽器及び打楽器は１．５ｍ、金管楽器は２ｍの間隔をとって配置すると共に、金管楽器奏者の間は透明のフィルターで遮るなどの感染対策（ベルから縦方向に拡散する飛散は殆ど確認されませんが、マウスピースと唇の隙間や鼻から横方向に拡散する飛沫に対する対策）が講じられましたが、オーケストラの配置は音響に大きな影響を与えますので、感染対策と音響対策を両天秤にかけた試行錯誤を繰り返している姿に、現在のオーケストラが置かれている苦境（音楽面、経営面、健康面）がＴＶ画面からもヒシヒシと伝わってくるようでした。オーボエ奏者の杉本真木さんが自粛期間中に閲覧したインターネットで「日本にはオーケストラが多過ぎるのでこれでつぶれるくらいがちょうどいい」や「音楽なんてそもそも重要じゃない」という心ない書込みが目に入り落ち込んだと仰っていましたが、「人の心に直接働きかける仕事だという自負を持っている」と自らの信条を吐露されていた姿が印象的でした。おそらく情操が貧しい者（情操が豊か否かは年齢の問題ではなく、若年であれ、中高年であれ、年齢とは関係ない個々人の感受性や心根の問題）の書込みなのだろうと思いますが、
![NHKテキストきょうの料理 2020年 04 月号 [雑誌]](https://m.media-amazon.com/images/I/51Al2I6ME8L._SL160_.jpg "NHKテキストきょうの料理 2020年 04 月号 [雑誌]")
２００８年に中学校の学習指導要領が改訂され、「運動能力の強化」ではなく「仲間とのコミュニケーションの向上」を目的として、２０１２年からダンスが義務教育の選択科目から必修科目へと変更になり、その内容についても、①創作ダンス、②
発酵
日本の代表的な発酵食品である味噌は、麹の種類、麹の量、麹と塩のバランス等によって多様な風味になりますが、その
５インチの狭い世界の中にしか人生を見出せなくなった現代人。平成の時代になってから駅構内等を行き交う人々が何かに取り憑かれたように一斉に５インチの
